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Theo Jansen. Asombrosas criaturas

12 octubre 2018 - 24 enero 2019

Espacio Fundación Telefónica Quito (Ecuador)

Theo Jansen con una de sus criaturas

“El mar no hace más que subir, y esto amenaza con hacer retroceder los límites de nuestra tierra hasta donde estuvieron en el medievo. Y todos sabemos que en ese minúsculo trocito que nos va a quedar poco podremos hacer. Por tanto, la gran cuestión es: ¿cómo hacer llegar más granitos de arena a nuestras dunas? Sería fantástico si tuviéramos unos animales que removieran la arena de nuestras playas, que la arrojaran al aire, para que, a continuación, el viento se encargara de llevarla hasta las dunas”. (Correplayas, por Theo Jansen)

El físico y artista Theo Jansen (1948, Scheveningen) publicó esta reflexión en 1990, en una columna del periódico holandés Volkskrant. Desde entonces, el ingeniero, científico y artista holandés no ha parado de imaginar criaturas capaces de moverse y sobrevivir en las playas de los Países Bajos: las Strandbeest o Bestias de Playa. Las criaturas nacen, caminan por la playa, evolucionan y se extinguen. Su vida dura apenas un año y la mayoría acaban convertidos en fósiles.

Entre el 12 de octubre de 2018 y el 24 de enero de 2019, el Espacio Fundación Telefónica Quito acogerá a las bestias de playa del creador holandés, en la exposición “Theo Jansen. Asombrosas criaturas”. Ordis, Plaudents Vela II, Rugosis Peristhaltis, Vermiculas, Animaris Genetica, Vulgaris y Currens Vulgaris, ocuparán la sala de exposición y el lobby de Telefónica Movistar para sorprender al público ecuatoriano con su configuración y movimientos.

Esta exposición presenta las Strandbeest de los diferentes períodos evolutivos. Se trata de una muestra antológica que a través de 7 piezas, revela el desarrollo biológico de las bestias de playa ideadas por el artista, desde su primera creación hasta las más actuales y evolucionadas.

Habrá exhibiciones de movimiento en cada visita. Los horarios de la muestra gratuita son de martes a viernes de 10:00h a 19:00h, y los sábados de 10:00 a 16:00.

Creando una nueva fauna

Theo Jansen decía en aquella columna del Volkskrant que había inventado unos animales que al igual que los castores en el parque natural de Biesbosch, podrán ayudar a mejorar el equilibrio ecológico” de la costa. Los creó “a partir de tubo rígido de canalización eléctrica y cinta adhesiva” y obtenían la energía ”del viento, de modo que no tienen que comer”. Con el paso de los años, Theo Jansen ha aparcado la idea de usar sus Strandbeest para frenar los efectos del cambio climático. Su trabajo ahora se centra en crear formas de vida autosuficientes, capaces de sobrevivir y perpetuarse en su hábitat.

Todos las bestias de playa comparten un secreto matemático, los trece “números sagrados” que Theo Jansen calculó hace 25 años con un ordenador Atari. Los números sagrados indican la longitud de los tubos que componen las patas y definen la peculiar forma de caminar de los animales de playa. El artista usó un programa informático que generaba, seleccionaba y mejoraba cientos piernas diferentes. El proceso se repitió sin descanso durante meses hasta que Jansen obtuvo las medidas ideales para las patas.

Darwinismo acelerado por ordenador

La idea de la evolución está muy presente en la obra de Theo Jansen. El artista holandés inventa constantemente nuevos mecanismos para sus criaturas. Los que resultan útiles sobreviven y saltan a las siguientes generaciones. Los que no funcionan bien, acaban extinguidos y enterrados. Las bestias de playa han desarrollado cerebros, trompas, estómagos y extremidades para anclarse al suelo. La mayoría de esos órganos se han perdido por el camino porque no ayudaban al animal a sobrevivir en su entorno.

Turgentia Vela (Theo Jansen)
Turgentia Vela (Theo Jansen)

Otro elemento común de todos Strandbeest es el tubo de plástico. En su libro The Great Pretender, Theo Jansen reconoce que la verdadera inspiración para sus bestias fueron los tubos de cableado eléctrico de color amarillento, que son típicos de los Países Bajos. Estos conductos con aspecto de hueso son el material principal de los animales de playa. Jansen compró en su día 50 kilómetros de tubo de plástico y evita cualquier material que no sea ese, aunque utilizó palés de madera durante una etapa muy breve.

Un artista con formación de científico

Theo Jansen nació en 1948 en los Países Bajos, en un pequeño pueblo costero junto a La Haya y se formó como ingeniero y científico en la Universidad Tecnológica de Delft. En 1986, tras leer El relojero ciego del zoólogo británico Richard Dawkins, quedó fascinado por la teoría de la evolución y la selección natural de las especies.

Animaris Rhinoceros (Theo Jansen)
Animaris Rhinoceros (Theo Jansen)

En 1990 decidió centrar su trabajo en la creación de seres artificiales y aplicó sus conocimientos de ingeniería a las bestias de playa. “Las barreras entre el arte y la ingeniería existen sólo en nuestra mente”, asegura. En 2007 una de sus criaturas apareció en una campaña publicitaria, y la obra de Jansen adquirió fama internacional. Desde entonces se ha expuesto en museos de todo el mundo.

Los Strandbeest rompen el concepto tradicional de escultura y generan una experiencia estética a través del movimiento. De algún modo, podrían definirse como “esculturas cinéticas”, pero el trabajo de Theo Jansen va más allá. Cuando Jansen explica el funcionamiento de sus criaturas cuesta separar la realidad de la ficción. Habla de ellas como si realmente estuvieran vivas e interpreta sus mecanismos con abundantes metáforas. Para Jansen, las bestias de playa piensan, respiran, se alimentan, toman decisiones y se reproducen.

Percipiere (Theo Jansen)
Percipiere (Theo Jansen)

Cuando Theo Jansen inventa sus animales se aventura en la naturaleza sin un destino fijo, se deja guiar por el contacto con los materiales. Este proceso creativo también sigue unos tiempos marcados por la naturaleza. Los animales nacen en octubre y dan sus primeros pasos en un cajón de arena durante el otoño y el invierno. En primavera salen a la playa y el artista experimenta con ellos durante todo el verano hasta que se extinguen. El objetivo de estos ciclos evolutivos y estas generaciones de criaturas es crear criaturas más veloces, más complejas y más autónomas.

Los detalles técnicos de las bestias de Theo Jansen están publicados en internet y en sus libros. Numerosos ingenieros y artistas ya están utilizando los “números sagrados” para inventar sus propias bestias. Así es como Strandbeest logran reproducirse. Jansen quiere que las bestias de playa puedan vivir sin él, que su obra continúe cuando él no esté. De alguna forma, ya lo tiene asegurado.

Animaris Umerus (Theo Jansen)
Animaris Umerus (Theo Jansen)

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Houdini. Las leyes del asombro

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Desde el comienzo de la historia, el ser humano siempre ha deseado maravillar y sorprender a otros. En este afán, es donde encontramos el origen primigenio de la magia, en ese gusto por la sorpresa y la ilusión. Harry Houdini (Budapest, 1874-Detroit, 1926) es uno de los ilusionistas más célebres de todos los tiempos. A través de su rocambolesca biografía, la exposición ‘Houdini. Las leyes del asombro’ traza la historia de la magia moderna y su evolución, desde las barracas de feria hasta el gran espectáculo de masas.

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Luis González Palma. Constelaciones de lo intangible

Del 27 de septiembre de 2018 al 6 de enero de 2019

Centro Cultural Memoria de Andalucía de CajaGranada Fundación (Granada)

El Centro Cultural Memoria de Andalucía de CajaGranada Fundación inaugura ‘Constelaciones de lo intangible’, una muestra sobre la obra del artista guatemalteco Luis González Palma, comisariada por Alejandro Castellote y organizada y producida por Fundación Telefónica. La exposición, que se podrá visitar hasta el 6 de enero, recorre su producción desde la década de los años 80 hasta la actualidad.

La exposición, que ya se ha podido ver en Espacio Fundación Telefónica de Madrid en el marco del festival PHotoEspaña, en el Centro Galego de Arte Contemporánea (CGAC), en el Museo de la Universidad de Navarra, en el Centro Andaluz de la Fotografía en Almeríav, y en la Sala de Exposiciones San Benito en Valladolid, recorre el universo íntimo y enigmático del fotógrafo en una retrospectiva que aglutina cincuenta y tres piezas.

La muestra propone un acercamiento a uno de los grandes exponentes de la fotografía latinoamericana a través de un viaje circular por las constelaciones temáticas que orbitan alrededor de su obra, en un ciclo permanente de ida y retorno. Su obra constituye una reflexión sobre la mirada, que interroga la historia y la condición humana mediante temas como la identidad y la memoria, la introspección y la intimidad, la reflexión sobre el poder y la representación de lo no visible.

La exposición, además, propone un recorrido paralelo por la historia del arte con menciones al barroco, la pintura prerrafaelita y las dos corrientes antagónicas que han marcado el arte latinoamericano durante el siglo XX: la figuración y la abstracción.

Según el comisario, Alejandro Castellote, el artista guatemalteco se sirve de “una sinfonía de soluciones formales que son un intento de darle cuerpo a los fantasmas que gobiernan las relaciones personales, las jerarquías religiosas, la política y la vida”. Así, sus imágenes se nutren de elementos tomados del lenguaje teatral y la imaginería católica, los códigos cinematográficos y recursos que provienen de la arquitectura, la danza, la música o las técnicas antiguas de la fotografía.

Las constelaciones de lo intangible de Luis González Palma

En su primera etapa, que se desarrolla a finales de los años 80, el artista tiene como objetivo entender la diversidad étnica y cultural latente en su país, con constantes menciones a su historia, a los documentos generados por el poder colonial y a la memoria colectiva.

Sus obras contienen numerosas referencias visuales e iconográficas configurando niveles de lectura e interpretación ambiguos y extremadamente sutiles. A través del rostro y la mirada, Palma explora aspectos inmateriales como el trauma, la pérdida, el dolor y el silencio, todos ellos sentimientos derivados de la violencia vivida en Guatemala durante más de cinco siglos.

Pocos creadores basados en la fotografía llevaron tan lejos las posibilidades y los límites del soporte fotográfico incorporando a su obra elementos de la pintura, la escritura o la escultura.

A partir de la década de los años 90 su obra transita por un camino que lo lleva de lo popular a lo íntimo. Comienza a concentrarse en la exploración de la memoria y de las obsesiones personales. Es lo que se podría identificar como una segunda etapa en la que el trabajo derivado del contexto sociopolítico es abandonado progresivamente para dar paso a una reflexión mucho más introspectiva.

En sus obras de 2002 a 2012, asuntos como la intimidad, la incomunicación, la frustración de la pasión amorosa, la angustia y el deseo insatisfecho inundan su trabajo. En este momento, muchas de sus obras dejan de lado el retrato para centrarse en los espacios y los objetos que sugieren y evocan metáforas del mundo emocional del artista: sillas en las que no se puede descansar, objetos que desprenden una sensación de amenaza, presencias ausentes o escenarios desolados. En su mayoría, imágenes ancladas en espacios irreales y fantásticos con ciertos ecos surrealistas y un marcado aspecto teatral.

En su última etapa, Palma experimenta con la abstracción interviniendo fotografías antiguas y nuevas, a través del uso de figuras geométricas y del color, que recuerdan al concretismo y el neoconcretismo brasileño. Con la superposición de formas abstractas sobre imágenes figurativas aborda una vez más el análisis de la mirada.

Luis González Palma

Luis González Palma nació en Ciudad de Guatemala en 1957. Después de finalizar la carrera de Arquitectura su interés por el arte, la pintura y la fotografía le llevaron a formarse más intensamente en estos campos y a entrar en contacto con otros artistas guatemaltecos. En 1987 participó en la creación de Imaginaria, una galería que acogió en La Antigua a las voces disidentes del arte de su país. Más tarde, a finales de los años noventa, formó parte del grupo fundador de Colloquia, una iniciativa destinada al debate, la promoción y la difusión del arte contemporáneo en Guatemala. Tras varias estancias en Europa y a su regreso a Guatemala en 1998, se traslada en el año 2001 a Córdoba, Argentina, donde comienza a colaborar en varios proyectos con Graciela De Oliveira.

Desde sus primeras exposiciones en Centroamérica, EEUU y Europa hasta la actualidad, su obra ha sido fundamental para entender la fotografía latinoamericana, especialmente durante los años 90, una década en la que se cuestionan los límites de lo fotográfico y adquieren especial relevancia las gramáticas mestizas, más atendidas hasta entonces por las artes plásticas. Entre sus innumerables muestras individuales destacan las celebradas en The Art Institute of Chicago, The Lannan Foundation, The Australian Centre fuere Photography, el Palacio de Bellas Artes de México, The Royal Festival Hall en Londres, el Palazzo Ducale di Genova, los Museos MACRO y Castagnino de Rosario, Argentina. También participó en numerosos festivales internacionales como el Photofest de Houston o Les Rencontres de Arles en Francia. Luis González Palma fue representante de su país en la 51ª Edición de la Bienal de Venecia.

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Houdini. Las leyes del asombro

Del 24 de septiembre 2018 al 31 de marzo 2019

Museo de la Ciencia y el Agua de Murcia

La vida y la época de uno de los ilusionistas más célebres de todos los tiempos, Harry Houdini, llegan al Museo de la Ciencia y el Agua de Murcia. ‘Houdini, las leyes del asombro’ abre sus puertas al público desde el 25 de septiembre al 31 de marzo de 2019.

La muestra gira en torno a Harry Houdini (Budapest, 1874, Detroit, 1926) y aborda las claves de su figura pública y su rocambolesca biografía, aportando claves de la evolución de la magia moderna y de cómo pasa de ser un entretenimiento de barracas de feria a convertirse en un espectáculo de masas gracias a él y las bases científicas y racionales en las que se apoyó para hacer su magia.

Su defensa de la razón aplicada a la magia, sumada a su personal cruzada contra el espiritismo, además de la incorporación en sus números de conceptos futuristas como la fuerza física, la velocidad, la tensión y el reto, le hicieron mundialmente conocido. Ayudándose de estrategias de comunicación, en sintonía con la vanguardia, que incluían prensa, publicidad, radio y cine, consiguió atraer la atención de los medios y creó grandes ilusiones en todos los sentidos.

“Houdini, las leyes del asombro” se pudo visitar en el Espacio Fundación Telefónica Argentina de marzo a junio de este año y es la primera vez que itinera en España desde su inauguración en Espacio Fundación Telefónica, de febrero a mayo de 2017.

Un recorrido por la historia de la magia moderna

La exhibición cuenta con reproducciones de carteles de la época, ediciones históricas de manuales, una caja de magia de principios del s. XX, artilugios de magia de época, la réplica de una camisa de fuerza y propuestas visuales que salen al encuentro del espectador para construir una idea global sobre la figura Houdini. Su historia de superación fue inspiradora en una época, en torno a la Primera Guerra Mundial, en la que muchos empezaban de cero y “escapaban” de su pasado.

Las cinco secciones que forman la muestra son: “¡Pasen y vean! Historia de la magia”, en la que se traza la historia de la magia desde los “traficantes de milagros” y freak shows, pasando por Robert Houdin hasta la era dorada de la magia teatral con Thurston, principal rival de Houdini, entre otros; “Citius, altius, fortius”, consigna que resume en gran medida la nueva actitud de la sociedad moderna basada en el progreso físico, moral y personal que encarnó Houdini tanto en su carrera como en su historia vital; “Escape”, especialidad  considerada la disciplina más dura dentro de la magia, que le llevó al éxito y que popularizó con elementos de riesgo en conexión con los gustos de la época –cómo escapar de una camisa de fuerza, de la celda de una prisión o de tortura acuática–; “Lo que creen tus ojos”, que parte de la ilusión óptica como uno de los fundamentos de la magia que junto a desapariciones y engaños asombrosos son antesala  del que sería uno de los mayores prodigios obrados por Houdini, la desaparición de un elefante. Y, por último, “El código Houdini” sección dedicada al auge del espiritismo, los médiums y el ocultismo y a la defensa que mantuvo de sus espectáculos de ilusionismo con fundamento científico, técnico y físico para crear ilusión.

Los contenidos audiovisuales de la exposición serán mostrados en equipos de LG continuando con la línea de colaboración de las últimas exposiciones.

Los secretos del Gran Houdini, al descubierto

Ligado a los espectáculos ambulantes como trapecista y contorsionista, Houdini se inició como mago en los llamados “circos de 10 centavos” donde conoció a su mujer Bess. En paralelo a esta tendencia, algunos magos comienzan a trazar su camino fuera de esta tendencia naciendo la “magia escénica” y “magia moderna” en la que Houdini encuentra su lugar convirtiéndose en su máximo exponente. Destacan en esta época Robert-Houdin, del que por admiración toma su nombre Houdini añadiendo la “i” para facilitar su pronunciación, que revolucionó el mundo de la magia de mediados del s. XIX distanciándola de ese halo de misticismo y acercándola a la ciencia.

La consigna “Citius, altius,fortius” resume la llegada de una nueva actitud de la sociedad moderna, donde la idea del progreso físico, moral y personal se convierten en fundamentales. A finales del s XIX y principios del s XX arranca en el mundo occidental la noción de lo que es saludable y del buen físico, popularizándose gracias a la aparición de los gimnasios modernos. Así, Houdini siguió un estricto entrenamiento físico diario en gimnasia, natación y boxeo que le hicieron desarrollar una elevada fuerza, elasticidad y resistencia al dolor que le ayudó a llevar a cabo sus trucos.

También el mago de Budapest destacó en la especialidad del escapismo, que le llevó al éxito. Considerada como la capacidad de escapar basándose en habilidades físicas y psíquicas, la popularizó mostrándolo de forma abierta al público. Contribuyó a este éxito el gusto de la sociedad por el riesgo y el peligro, como las carreras de bólidos o las hazañas de pilotos aéreos y el uso de elementos mecánicos e innovadores en los trucos –distintos tipos de esposas o la camisa de fuerza–. Sus escapes al aire libre y acuáticos fueron célebres.

Uno de los mayores prodigios obrados por Houdini fue la desaparición de una elefanta de cinco toneladas, que introducía en una caja de gran tamaño en el centro de la pista y a la que hacía desvanecerse ante cientos de espectadores a la vez que disparaba una pistola. En el contexto de la magia “escénica”, el éxito residía no sólo en los elementos prácticos, mecánicos y científicos, sino también en el carisma del mago para hacer vivir al público una experiencia única; y en eso, Houdini se convirtió en un experto.

El Houdini marketiniano, cineasta y escritor

Además, las estrategias de promoción fueron calves en el éxito de Houdini: desde los clásicos carteles y anuncios, publicaciones y artículos sobre ilusionismo y espiritismo hasta llegar el cine. Fue un maestro del marketing. En 1909 compró un biplano con el que se convirtió en el primer piloto que sobrevoló Australia. Houdini filmó todo el proceso y conectó con los avances de la época y con el mundo del cine, llegando a crear su propia productora. Poco más tarde grabaría una serie de capítulos de sus números y entre 1919 y 1923 actuó en diversas películas.

Su labor como articulista y escritor comenzó en 1906 con el libro Cómo hacer bien el mal sobre trucos desvelados en el que evidencia los métodos empleados por otros magos que fueron su competencia y en los que se posiciona en la defensa de la ciencia y el entrenamiento para llegar a ser un gran mago. Después llegaría, Rober Houdin, desenmascarado escrito en 1908 y dedicado al que fue su predecesor y Handcuff Secrets, sobre el ilusionismo. Sus obras más famosas fueron escritas en el contexto de la lucha contra el espiritismo y los médiums, como de Traficantes de milagros y sus métodos de 1920 y Un mago entre los espíritus de 1924.

Por otro lado, la relación ambivalente de Houdini con el espiritismo hizo que estudiara sus trucos y acudiera a sesiones, pero al mismo tiempo deseaba acabar con ellos. Defendió como código ético la diferencia entre sus espectáculos con fundamento científico, técnico y físico para crear ilusión de aquellos basados en fenómenos paranormales. En 1922 cuando emprendió su verdadera cruzada, motivado por el enfrentamiento que tuvo con su gran amigo Arthur Conan Doyle con el que solía debatir acerca de la naturaleza de lo paranormal y su existencia.

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Transformaciones

Del 14 de septiembre al 18 de noviembre de 2018

Museo municipal 'El Pósito' (Campo de Criptana. Ciudad Real)

Fundación Telefónica y el Ayuntamiento de Campo de Criptana (Ciudad Real) presentan un recorrido por la revolución tecnológica e histórica de nuestro país en la segunda década del siglo XX con la muestra ‘Transformaciones. La España de los años veinte en los Archivos Fotográficos de Telefónica’. La exposición abre sus puertas en el Museo Municipal ‘El Pósito’ del 14 de septiembre y al 18 de noviembre de 2018.

En los orígenes de Telefónica, a mediados de la década de los años veinte del siglo pasado, la empresa decidió llevar a cabo un intenso trabajo de documentación mediante fotografías y películas de lo que iba a ser una profunda revolución tecnológica y, por tanto, histórica, en la España de la época.

Para ese trabajo fueron contratados los fotógrafos y reporteros gráficos más representativos del momento como Marín, Alfonso, Gaspar y Contreras y Vilaseca. Al mismo tiempo que testimoniaban una serie de innovaciones técnicas (los tendidos telefónicos entre las principales poblaciones, los primeros locutorios públicos, la construcción de las nuevas centrales de la Compañía, las primeras imágenes publicitarias…), no dejaron de reflejar, con un elevado componente artístico, la fascinación ante el surgimiento de nuevos hábitos sociales, la aparición de nuevas profesiones y los cambios del paisaje rural y urbano, elementos todos ellos que forman parte ya del imaginario español y que transmiten esa noción de modernidad y de progreso que siempre ha estado asociada con las telecomunicaciones.

Han asistido esta tarde a la inauguración de la muestra en la sede del Museo Municipal ‘El Pósito’ el alcalde de Campo de Criptana, José Lucas-Torres López-Casero; el concejal de cultura Javier López Reillo y la responsable de Patrimonio Histórico-Tecnológico en Fundación Telefónica, Reyes Esparcia Polo.

 

Modernidad y progreso a principios del siglo XX

Este grupo de fotógrafos supo transmitir la noción de modernidad y de progreso asociada a las telecomunicaciones y es el responsable de haber transformado la reproducción de los tendidos de postes y del cable telefónico en una extraordinaria serie de documentos visuales.

‘Transformaciones’ también expone varias piezas pertenecientes al Patrimonio Histórico Tecnológico de Telefónica de principios del siglo XX como teléfonos o las herramientas de trabajo utilizadas por telefonistas y técnicos de la compañía, así como una guía de teléfonos de 1939.

Por su carácter histórico y por el alcance de sus contenidos (más de diez mil imágenes realizadas entre los años 1924 y 1931), el Archivo Fotográfico de Telefónica tiene un carácter casi único a nivel internacional y la presente exposición ha sido posible después de un minucioso trabajo de recuperación, catalogación y digitalización de sus fondos llevada a cabo por Fundación Telefónica.

Se trata, en definitiva, de una exposición de características extraordinarias en la que se conjugan lo artístico con lo documental al hilo de una aventura empresarial iniciada ya hace más de noventa años.

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La bailarina del futuro. De Isadora Duncan a Joséphine Baker

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Siete mujeres bailarinas y coreógrafas del siglo XX creyeron en la necesidad de crear nuevas formas de expresión y de liberar el cuerpo femenino enfrentándose a las convenciones sociales y al rígido canon del ballet romántico. Isadora DuncanLoïe FullerJoséphine BakerTórtola ValenciaMary WigmanMartha Graham y Doris Humphrey sentaron las bases de la danza moderna gracias a su creatividad, su revolucionaria puesta en escena y su estilo de vida transgresor.

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Hitchcock. Más allá del suspenso

Del 13 de septiembre de 2018 al 13 de enero de 2019

La Galería de la Cineteca Nacional México

La muestra presenta a Alfred Hitchcock (1899-1980) como un creador total y lo expone ante los ojos de nuevos públicos. Con una curaduría enfocada en la influencia multifacética del cineasta británico, ‘Hitchcock, más allá del suspenso’ llega a México a La Galería de la Cineteca Nacional.  La exposición se estrenó en el Espacio Fundación Telefónica en España (2016) y también pasó por el Museo San Telmo (2017) -en el marco del Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

El público mexicano podrá acercarse a la obra de uno de los directores más influyentes de la historia a través de esta exposición, que cuenta con la curaduría de Pablo Llorca, profesor de Historia del Cine y de Historia de la fotografía en la facultad de Bellas Artes de la Universidad de Salamanca (USAL) y con el diseño museográfico de Fernando Muñoz, del 13 de septiembre de 2018 al 13 de enero de 2019.

El cine de Hitchcock, maestro del suspenso, sigue siendo difícil de clasificar. Mucho se ha escrito sobre quien está considerado como uno de los creadores más geniales del siglo XX, y todas las interpretaciones coinciden en señalar la fascinación visual que desprenden películas como La ventana indiscreta (Rear Window, 1954), De entre los muertos (Vertigo, 1958) o Psicosis (Psycho, 1960), que son un compendio de imágenes de gran potencia que con el tiempo se han convertido en verdaderos iconos de la cultura audiovisual.

‘Hitchcock, más allá del suspenso’ se plantea conocer su figura desde una mirada global a las claves esenciales de su cine. Es una oportunidad para ver plasmados aspectos personales y comerciales, la base fundamental de su proceso de creación y su lenguaje cinematográfico: su dominio de recursos de vanguardia; su capacidad para rodearse de grandes colaboradores, sean técnicos, actores, diseñadores o guionistas, sobre los que ejercía un control férreo; el papel fundamental que tuvieron en sus obras los personajes femeninos, y, como mostró a la mujer independiente, en un rol profesional y por supuesto, la capacidad de sus películas para reflejar el tiempo en que fueron creadas evocando la atmósfera de cada época con un doble discurso, lo que es visible y lo que se esconde o alude.

La muestra se divide en cinco módulos: “Introducción”, “El toque Hitchcock”, “Mujeres y hombres”, “Hitchcock y su tiempo, el arte y la arquitectura” y “El revés de la trama: Hitchcock, las apariencias y los trucos”. Se exponen más de 200 piezas que incluyen revistas y libros originales, reproducciones de fotografías, carteles, vestuario, así como archivos de video. Se logró hacer una curaduría única, retomando los fotogramas de sus grandes largometrajes y exaltando los hitos de sólo algunas, las más representativas.

Invitamos a disfrutar de esta muestra única en la Ciudad de México, la primera gran exposición dedicada al cineasta británico. Las puertas de La Galería en Cineteca Nacional estarán abiertas de martes a domingo, en un horario de 11:00 a 21:00 horas (el último acceso se brindará a las 20:00 h). La entrada general tendrá un costo de 65 pesos y la entrada con descuento de 45 pesos (para menores de 25 años, portadores de tarjeta INAPAM, maestros y estudiantes). Los martes la entrada será libre, cortesía de Fundación Telefónica México.  

La exposición estará acompañada de un ciclo con 35 películas, todas pertenecientes a la etapa sonora del realizador, restauradas en 2k y 4k, y también de charlas que analizarán su obra desde perspectivas únicas y que se llevarán a cabo en Cineteca Nacional. Asimismo, el Centro Cultural de España en México y la Universidad Iberoamericana de la Ciudad de México serán la sede para un par de charlas del ciclo Hay vida en marteS, espacio para centrarse en diversos aspectos de la vida y obra del genial cineasta.

Del 15 de septiembre al 30 de diciembre de 2018, el ciclo permanente Clásicos en pantalla grande dedicará sus proyecciones al cine de Hitchcock. Los sábados a las 20:00 horas y los domingos a las 18:00, el público de la Cineteca podrá ver Treinta y nueve escalones (The 39 Steps, 1935), Rebeca (Rebecca, 1940), La sospecha (Suspicion, 1941), Tuyo es mi corazón (Notorious, 1946), La soga (Rope, 1948), Pacto siniestro (Strangers on a Train, 1951), La ventana indiscreta (Rear Window, 1954), Para atrapar al ladrón (To Catch a Thief, 1955), Al tercer tiro (The Trouble with Harry, 1955), En manos del destino (The Man Who Knew Too Much, 1956), Vértigo (1958), Intriga internacional (North by Northwest, 1959), Psicosis, Los pájaros (The Birds, 1963), Marnie (1964) y Frenesí (Frenzy, 1972), entre otros títulos.

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Nosotros, robots

5 octubre 2018 - 3 febrero 2019

Espacio Fundación Telefónica Madrid. (C/Fuencarral, 3)

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El ser humano lleva soñando con robots (aunque no los llamara así) al menos desde los tiempos de Aristóteles. La unión de la cibernética y la nueva mecánica supuso un impulso histórico en estos aparatos a mediados del siglo XX. Pero su eclosión real llega junto a la digitalización y la inteligencia artificial en el XXI, años en los que estamos viviendo profundas transformaciones en todo orden de cosas.

Vivimos así en plena explosión de la robótica; son años de transformación de la mano de estas máquinas. Esta exposición ‘Nosotros, Robots’ no solo es un recorrido por los hitos de la historia de esta tecnología desde la Antigüedad hasta el presente, sino que también reflexiona sobre los retos a los que se enfrenta la humanidad, ante su desarrollo imparable, y sobre las posibilidades que estas máquinas ofrecen para transformar el futuro. La integración controlada de los robots en la sociedad permitirá liberar energías y ahorrar recursos para atender mejor a las personas y sus necesidades.

Esta muestra se acerca al fenómeno de la robótica a través de una selección de cerca de cincuenta robotsacompañados de audiovisuales, maquetas e infografías. El visitante se adentrará en el fenómeno de la robótica a través de piezas como una reconstrucción a escala humana del ‘Caballero mecánico’ ideado por Leonardo da Vinci, y piezas originales de finales del XIX hasta algunos de los personajes robóticos más emblemáticos de la ciencia-ficción o ejemplos de los últimos humanoides.

Nao de Aldebaran, 2005
Nao de Aldebaran, 2005

La muestra, comisariada por el escritor y analista Andrés Ortega y organizada en colaboración con Casual Robots, se puede ver en la tercera planta de Espacio Fundación Telefónica, del 5 de octubre de 2018 al 3 de febrero de 2019.

Un recorrido fascinante articulado en torno a cinco ejes temáticos que exploran el origen de los robots y sus antepasadossus componentes y tipologíassus usos y funciones, las emociones implícitas en su relación con los humanos, y la fascinación que ejercen desde hace siglos en el ámbito de la creación artística y literaria.


En colaboración con:

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La bailarina del futuro. De Isadora Duncan a Joséphine Baker

20 julio - 22 septiembre 2018

Espacio Fundación Telefónica Ecuador

Siete mujeres bailarinas y coreógrafas del siglo XX creyeron en la necesidad de crear nuevas formas de expresión y de liberar el cuerpo femenino enfrentándose a las convenciones sociales y al rígido canon del ballet romántico. Isadora DuncanLoïe FullerJoséphine BakerTórtola ValenciaMary WigmanMartha Graham y Doris Humphrey sentaron las bases de la danza moderna gracias a su creatividad, su revolucionaria puesta en escena y su estilo de vida transgresor.

El Espacio Fundación Telefónica Ecuador presenta ‘La bailarina del futuro. De Isadora Duncan a Joséphine Baker’ del 20 de julio al 22 de septiembre de 2018, una exposición itinerante de Fundación Telefónica, que reivindica el papel de estas mujeres pioneras y presenta la danza del cambio de siglo como una forma de arte nuevo.

La muestra, comisariada por María Santoyo y Miguel Ángel Delgado, ha contado para la elaboración de los contenidos con el asesoramiento de la Doctora en Filosofía por la UCM y experta en teoría de la danza Ibis Albizu y con la participación de la bailarina de la Compañía Nacional de Danza, Agnès López Río, que recrea a lo largo de la muestra los movimientos más conocidos de estas bailarinas a través de una experiencia audiovisual envolvente.

En su adaptación al Ecuador, la exposición cuenta con recursos museográficos tradicionales, instalaciones audiovisuales de carácter escenográfico y aplicaciones tecnológicas tales como Realidad Aumentada, Realidad Virtual, Mapping y un holograma, espacios experienciales que corresponden a estas siete figuras, partiendo de Isadora Duncan, la precursora e iniciadora de esta revolución en el mundo de la danza.

‘La bailarina del futuro. De Isadora Duncan a Josephine Baker’ podrá ser disfrutada por los visitantes del Espacio Fundación Telefónica Ecuador, de martes a viernes, desde las 10:00h a 19:00h y los sábados desde las 10:00h a 16:00. El Espacio Fundación Telefónica Ecuador está ubicado en la Av. Simón Bolívar, vía Nayón, en la PB de la Torre 2 del Centro Corporativo Ekopark.

Con proyectos como éste Fundación Telefónica Ecuador promueve una visión más digital de la cultura, en pro del aprendizaje haciendo uso de la tecnología, en el marco de su eje de Cultura Digital.

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Nikola Tesla. Inventor del siglo XXI

Del 12 julio al 31 diciembre 2018

Museo de Ciencias de Caracas

Fundación Telefónica Venezuela acoge, desde el 12 de julio y hasta diciembre de 2018, la muestra ‘Nikola Tesla. Inventor del siglo XXI‘. Una exhibición que tiene como propósito rendir homenaje a Nikola Tesla, fundador de la tecnología moderna y el mayor representante de la innovación en toda la historia. Un recorrido por su vida para situarlo como figura esencial del progreso y como un pionero en robótica, en energías alternativas y en la concepción de distintos objetivos con tecnología de transmisión.

La exposición se ha puesto en marcha en alianza con la Fundación Museos Nacionales, Fundación Motores por la Paz y los museos de Ciencias y el Interactivo Didactrón de la Universidad Simón Bolívar, y está disponible para el acceso y disfrute gratuito de la sociedad.

“Con esa actitud de anticipación constante ante el mundo de Tesla, nos identificamos plenamente. En Telefónica imaginamos el futuro y nos esforzamos en crear herramientas para que la sociedad tenga acceso a la nueva vida digital que abre un abanico de posibilidades infinitas”, expuso José Luis Rodriguez Zarco, presidente de Telefónica Venezuela.

Rodríguez Zarco resaltó que la apuesta por Venezuela es parte de la esencia de la compañía y, por ello, es un orgullo ser el sexto país en exhibir esta muestra itinerante, que contempla un recorrido por el espacio y el tiempo habitados por Tesla.

La muestra Nikola Tesla “Inventor del siglo XX” cuenta con la colaboración del Museo Tesla de Belgrado y es la muestra más grande celebrada sobre su figura. En Venezuela, para el montaje de estos 300 metros de exhibición, Fundación Telefónica | Movistar realizó alianzas con los ministerios de Cultura y de Educación Universitaria, Ciencia y Tecnología; con el Museo de Ciencia, el Museo Interactivo Didactrón de la Universidad Simón Bolívar; la Fundación Museos Nacionales y Fundación Motores por la Paz.

A partir del 12 de julio el público podría disfrutar, de manera gratuita, de la exhibición abierta de martes a domingo de 9:00h. a 15:30h y conocer parte de la historia de inventos que Tesla predijo y, 100 años después, se hicieron realidad, como es el caso del wifi y el teléfono inteligente. Además, la propuesta permitirá responder a la incógnita: ¿Por qué Nikola Tesla no fue reconocido en su época? Y presenta sus distintos rostros.

Para Telefónica | Movistar es muy importante potenciar la generación de valores y conocimientos para la comunidad, por eso continúan impulsando este tipo de actividades culturales en la cuales el desarrollo tecnológico es un complemento del desarrollo social.